Attaque 77 – Presentación de “Triángulo de Fuerza” en Montevideo Music Box

(Fotografía: Damián Cejas Delgue)

Luciendo una remera de “Arrancacorazones”, Mariano Martínez salió a escena acompañado por el baterista Leonardo De Cecco y el bajista Luciano Scaglione en el entorno de las 21:30 horas, luego de que la banda uruguaya Subliminal dejara un clima emocional perfecto para el público que supo colmar la capacidad de Montevideo Music Box anoche.

Si bien la presentación se realizaba en el marco de la gira promocional de “Triángulo de Fuerza”, lo que realmente motivaba el encuentro era festejar los 32 años de actividad ininterrumpida de la banda. El propio Mariano lo subrayó en una de sus primeras intervenciones, al acotar que éste era un show “para los verdaderos seguidores” del grupo – aquellos que comulgan con Attaque desde sus primeras presentaciones en La Factoría, mítico escenario montevideano de la década de los 90s.

La banda comenzó del modo más contundente posible con “Espadas y Serpientes”, y (como es costumbre) culminó con “Donde Las Águilas Se Atreven”, luego de más de dos horas de música. Pero la euforia del público fue tal que ofrecieron una canción más, para (en palabras de Mariano) terminar “con un buen pogo”: el cover de “No Me Arrepiento de Este Amor”, una de sus versiones más mentadas junto a “Por Qué Te Vas” y “Dame Fuego”, la cuales ésta vez lamentablemente no fueron parte del set. Pero la que sí incluyeron (y significó otro punto álgido) fue “Amigo”, de Roberto Carlos.

El espectáculo se distinguió por la alternancia de temas nuevos y viejos, como subrayando que la banda no tiene un antes y un después, sino que vive la experiencia que inició en 1987 como un continuo, indistintamente de los miembros que se desvincularon con el devenir del tiempo  (que incluyen no solo a Ciro Pertusi sino también a su hermano Federico, quien era el vocalista original del grupo, y músicos como el bajista Adrián Vera).

En total, la banda interpretó más de 25 canciones, incluyendo “América”, “Western”, “Suerte”… también incluyeron su genial cover de “El Jorobadito”, canción de Los Auténticos Decadentes que hacía mucho no escuchaba en vivo, y eché un poco de menos los vientos (el soporte en vivo era brindado por una segunda guitarra, y un teclado). “Beatle” llegó cerca del final, junto a “Hacelo Por Mí” y “Arrancacorazones” – dos hits radiales de épocas distintas, pero que encarnan las dos facetas más instantáneas del grupo, y que señalan los dos momentos de mayor masividad de su carrera.

Las canciones de “Triángulo de Fuerza” funcionaron bien en el escenario, y la secuencia aportó a su efectividad – por ejemplo, “Como Salvajes” estaba inserta entre “Chicos y Perros” y “Antihumano”, mientras que “María” estaba contextualizada entre “Amigo” y un fragmento de minuto y medio de “Setentista”. Y “Lobotomizado” obró como la contracara de “El Cielo Puede Esperar”. En ese sentido, el grupo da cuenta de un muy certero entendimiento de cómo construir y mantener una experiencia estética que en ningún punto aliene a sus seguidores más tradicionales. Y me parece valioso destacar que supieron mantener esa dinámica intacta aún cuando el público cobró un rol integral, como cuando coreó efusivamente las primeras estrofas de “Hay Una Bomba En El Colegio”, llevando a la banda a revisitar su disco debut.

Algo que sin dudas tuvo injerencia sobre la intensidad con que se vivieron hasta los momentos más comedidos fue la fuerte presencia argentina en el público, posibilitada por el fin de semana largo en la vecina orilla. A los efectos, eso dotó al concierto de un carisma que no es inherente a una audiencia esencialmente local – imaginen solamente lo que fueron los cánticos motivados por la dedicatoria de “Chicos y Perros” a “todos los políticos corruptos”…

Mención especial para un tramo en medio del concierto anunciado por Mariano como “un regalo para los verdaderos seguidores”, y que consistió en “Frente Al Espejo”, “El Camino” y “Suerte” – dos canciones del último disco de Ciro con la banda (“Karmaggedon”, 2007) y una del fantástico “Radio Insomnio” de 2000, interpretadas con una emoción sostenida que resultó en la clase de comunión musical que uno asocia con la música punk en su expresión más vital y originaria.  

He tenido la fortuna de ver a Attaque en contextos muy disímiles, incluyendo la gira conmemorativa de “El Cielo Puede Esperar” en ésta misma sala en 2015, brindando un set soñado para cualquiera que tuvo al grupo como la banda sonora de su juventud. Pero el concierto de anoche tuvo una emotividad y (sobre todo) una relevancia muy especial, que no hizo más que subrayar la vigencia del grupo, y renovar el deseo latente en el corazón de todos sus fans de que siempre habrá “un lugar para estar/con vos una vez más”.

“¡Rock the Folk!” – Entrevista a la Artista Argentina Mavi Díaz

Fundadora de la legendaria banda de pop Viuda e Hijas de Roque Enroll, Mavi Díaz ha compartido el estudio y el escenario con artistas como Charly García, Gustavo Cerati, Fito Paez, Andrés Calamaro, Los Twist, Man Ray, Patricia Sosa y Daniela Herrero, en una carrera que ya alcanza cuatro décadas de trayectoria ininterrumpida, y múltiples reconocimientos (incluyendo tres Premios Gardel). Su proyecto actual es “Mavi Díaz Y Las Folkies”, banda con la que cual ha girado por Europa y Asia, y cuyo tercer disco de estudio (“Gaucha”) fue publicado a inicios de este mes.

Tuve el agrado de conversar con Mavi sobre la presentación de este nuevo álbum (a realizarse el próximo 10 de mayo en la Sala Siranush), y repasar el camino que la condujo a esta instancia especialmente prolífica de su carrera, la cual realza el valor del talento femenino dentro del folkore de raíz.

Tu carrera abarca etapas muy distintas, y recala en algunos de los nombres más significativos de la historia de la música argentina contemporánea como ser Charly García, Andrés Calamaro, Fito Paez y Gustavo Cerati. ¿De qué modos dirías que el contacto con esas personas nutrió tu evolución artística?

Las colaboraciones con músicos a los que una admira siempre son enriquecedoras, y cada una de ellas deja huella. Realmente me siento afortunada por haber tenido la suerte de poder participar en shows, discos, o compartir proyectos con semejantes artistas.

Concretamente, ¿te animarías a destacar o señalar algo que atesores de cada una de estas cuatro personas que acabo de mencionar?

Charly fue y es mi ídolo de toda la vida. Participé en la grabación de “Say No More” en Madrid y fue muy amoroso conmigo, como estábamos solos esos días compartimos mucho tiempo, y fue un aprendizaje bestial para mí. Con Fito grabamos el concierto “No Sé Si Es Baires o Madrid” pero ya habíamos colaborado con Viudas en sus primeros discos y siempre es un placer trabajar con él. Con Andrés grabé en su disco “Por Mirarte” hace mucho tiempo y también tocamos en vivo. Y qué decir de Gustavo… un capo como pocos. Grabé y trabajé con él muchas veces, incluso él produjo el germen de lo que fue mi primer disco solista. Nos unía una hermosa amistad. Ya ahora trabajo con su hijo Benito, junto a Tweety González produjimos sus dos primeros discos.

Y en lo que respecta a tu proyecto más emblemático (Viuda e Hijas de Roque Enroll), ¿cómo se amolda (o dialoga) con lo que son Las Folkies? ¿En qué aspectos sentís que su espíritu está latente en tu proyecto actual? Al respecto, me resulta muy simpático un hashtag que solés emplear: #rockthefolk.

Viudas y Folkies son sin duda los proyectos más importantes de mi vida. Es bastante obvio pero lo que tienen en común soy yo y mi forma de abordar la música y la lírica. Yo siento que Las Folkies, si bien hacemos folklore tradicional en su estructura y en su instrumentación, la rockeamos muchísimo. Nuestra actitud es rockera, nuestra estética y nuestra forma, pero como digo, siempre muy respetuosas de las raíces y de lo tradicional. Siempre decimos que nos gusta lo moderno de antes y eso mismo nos pasaba con las Viudas.

¿Qué motivó la fundación de las Folkies? ¿Cómo se establecieron los vínculos entre ustedes?

La idea de armar Folkies fue de mi manager de entonces, Maya Vázquez. Yo venía tocando con unos capos tremendos como Gaby Luna, Franco Luciani, Daniel Patanchón, pero cada uno de ellos ya tenía proyectos propios que les demandaban dedicación y empezaban a complicarse las agendas. Entonces a Maya se le ocurrió convocar a las chicas y fue la mejor idea que alguien pudo tener jamás. Pusimos una fecha como para ver si había química entre nosotras y si nos sentíamos a gusto tocando juntas y fue amor a primera vista, un romance que afortunadamente se nutre y se renueva cada día de estos 9 años que ya llevamos juntas.

¿En qué se diferencia el nuevo álbum de los dos anteriores, “Todo Sí!” y “Sonqoy”? Te he escuchado decir que es tu disco más personal pero a su vez más colectivo. ¿Cómo se traduce eso en el plano musical?

“Sonqoy” fue nuestro disco bautismal, nuestra primera experiencia juntas en estudio y contiene canciones que yo venía componiendo de antes de conocer a las chicas. “Todo Sí!” ya muestra a unas Folkies más “rodadas” con muchos shows y viajes encima. Ahora, en este disco comienza la composición en conjunto.  A diferencia de “Todo Sí!” que fue grabado a lo largo de todo un año, entre giras y viajes en los cuales tocábamos los temas, “Gaucha” tomó forma en 10 días de estudio. Muchas de las canciones ven la luz por primera vez en el estudio, muchos arreglos son creados en el momento de grabar. Me gusta una definición que hizo el periodista Gerardo Rozin: “Gaucha” es un disco “urgente”, necesario.

¿Ha incidido en esto el reconocimiento que han recibido en materia de galardones, incluyendo los Premios Gardel?

Los premios y los reconocimientos son siempre gratos porque de alguna manera reafirman que una está en el camino correcto. “Todo Sí!” nos dio muchas alegrías, entre ellas dos nominaciones y un Gardel, lo cual nos llena de orgullo. Pero una no piensa en eso cuando gesta un disco, especialmente “Gaucha”, como digo, nace de una necesidad de poner en palabras y en música los sentimientos que nos atraviesan como músicas, como mujeres, en lo personal y en lo colectivo. Por supuesto sin perder la alegría y nuestra pasión por la danza nativa que es también un motor muy fuerte del disco.

El viernes 10 de mayo presentan oficialmente este nuevo disco en sociedad, ¿qué podrías adelantarnos de este evento en la Sala Siranush de Palermo?

Estamos preparando un show hermoso con una puesta preciosa a cargo de Diego Wulff y Sofía Gabrieludis, vamos a tocar primero el disco nuevo en el orden, como hicimos con “Todo Sí!” porque queremos que la gente viaje disco adentro y se meta en el universo que proponen las canciones y después por supuesto tocaremos todos los “hits” y haremos una Folkie peña a nuestro estilo.

¿Y cómo sigue su agenda de presentaciones luego?

Después del concierto Martina parte a Europa en gira con Peteco, yo viajo también a Europa a cerrar una gira que haremos en Octubre y durante julio y agosto gira nacional por Argentina

¿Cómo ves la escena musical en Argentina, y en la región? Y dado que con las Folkies han llegado a presentarse no solo en Europa sino también en Asia, ¿qué paralelismos podrías trazar? ¿Qué podríamos incorporar del esquema que existe en esos países a los nuestros? Y a su vez, ¿en qué sentidos ellos pueden tomarnos como referentes?

Argentina tiene una riqueza musical enorme en todos sus géneros y en todas sus regiones, pero a diferencia de otros países donde hemos estado y tocado, aquí cuesta mucho lo nuevo. La gente generalmente no sale a buscar propuestas nuevas,  va más bien a lo que conoce o a lo que escucha mil veces en los medios. Nosotras hemos llegado por ejemplo a salas enormes en USA preguntándonos preocupadas quién iría a vernos y sorprendernos con una sala llena de gente que va a descubrir música que no conoce para nada. Otra buena costumbre que tienen afuera es que están acostumbrados a comprar música, compran discos físicos y en las tiendas digitales. Independientemente de la crisis argentina, nosotros somos más de querer todo gratis. Pero sí que somos muy respetados en el mundo por nuestra creatividad.

En lo estrictamente personal, ¿tenés alguna otra actividad programada, como ser colaboraciones con otros artistas? ¿Hay algún artista nuevo con el que quisieras trabajar?

En “Gaucha” tuvimos el honor de tener dos invitados de lujo: Marcela Morelo y Franco Luciani. En el mes de Julio vamos a hacer un espectáculo junto a Teresa Parodi y Marian Farías Gómez, dos de mis artistas referentes a quienes admiro y adoro. Voy a participar también en un disco de Ska Beat City que van a versionar un tema mío de Viudas. También acabo de rodar mi participación en un documental para Netflix sobre el rock en Latinoamérica. Como productora no dejo de sorprenderme de la nueva camada de músicas talentosísimas que hay, y sí, me gustaría producir a muchas de ellas.

Te agradezco enormemente por tu tiempo, y les deseo todos los éxitos con el nuevo disco. ¡Esperamos verlas en Uruguay en algún momento!

¡Ojalá así sea!

(Fotografía de Mavi Díaz & Las Folkies: Pablo Scavino)

Campaña del Juguete en Tractatus con Dastin & Los Indios de Siempre, Micaela Schliper y Ontario

Éste sábado tiene lugar en Montevideo una nueva instancia de la Campaña del Juguete – una gira de conciertos que beneficia a hospitales pediátricos, junto con instituciones como merenderos, escuelas y centros CAIF. La característica de estos conciertos es que la entrada es siempre un juguete, el cual es donado en Navidad al destinatario en cuestión.

El evento del sábado tiene como escenario al Centro Cultural Tractatus. A partir de las 21:00 horas, los locales de Ontario y Dastin Ghersi oficiaran como anfitriones, junto a la cantante argentina Micaela Schlieper.

El destinatario de ésta nueva acción benéfica es doble, ya que los juguetes que se recolecten van a ser donados en parte al Hospital Pereira Rossell, y en parte a la escuela de contexto Nº 95 de La Boyada (“Escuela Unión Europea”).

 

DASTIN GHERSI Y LOS INDIOS DE SIEMPRE

Originarios de Sauce, Dastin y su banda (Los Indios de Siempre) pueden recorrer géneros tan diversos como la murga-rock, el reggae, el pop-rock, el rock fusión y el country-melódico dentro de un mismo show. Ésta versatilidad los ha llevado a actuar en los más diversos escenarios, desde bares y toques callejeros hasta grandes eventos como el Sauce Rock donde compartieron el escenario con La Abuela Coca y 4 Pesos de Propina.

En el año 2016, Dastin lanzó su primer disco llamado “En la Paz de mi Locura”. Éste ya ha sido presentado en Colonia, Maldonado, Montevideo y Buenos Aires.

La del sábado en Tractatus será la primera actuación de la banda completa en Uruguay desde su formación.

https://youtu.be/y7pawDCRvKA

 

MICAELA SCHLIEPER

Cantautora argentina que se presenta en Uruguay por primera vez en el marco de estas actividades. Estudiante de la técnica de canto conocida como Antiguo Italiana desde años, hoy es también profesora de dicha técnica, brindado talleres para niños de modo solidario en diversos barrios de la ciudad de Buenos Aires.

A la fecha, se encuentra trabajando en su primer EP, y estrenará muchas de sus canciones en éste evento.

 

 ONTARIO

Ontario es una banda de rock/post-rock que nace en Montevideo en el año 2012.

Todos sus discos fueron editados de forma independiente. El primero fue “Buscando Casualidades” en 2013 (una placa compartida con Contusus), seguido por “Largas Horas de la Luna” en 2016. A estos se sumó “Típico” en 2018, su primer trabajo netamente instrumental, que refleja la búsqueda de la banda por trascender a un estado donde la música funcione como verdadero vehículo emocional.

Sus miembros actuales son Mateo Flores, Luis Meyer, Pablo Velázquez y Pablo Balmelli.

 

 

 

 

 

¿Dónde Están Mis Amigos? – Extremoduro (1993) (Reseña)

(Click here to read this review in English)

Como muchos, conocí a Extremoduro a raíz de “La Ley Innata” (2008). Tal fue la impresión que me causó ese álbum que hice lo imposible por conseguirlo en CD, llegando a comprar un box set con la discografía entera de la banda para tenerlo.

Me alegra que así fuera. De otro modo quizá nunca hubiera escuchado sus primeros álbumes. Ciertamente, me hubiera perdido éste: “¿Dónde Están Mis Amigos?” (1993).

Sabido es que la adversidad es el mejor aliado de un artista. Pero la dilapidación emocional y la absoluta degradación moral de este disco es algo inusitado. La maldad de la que hace gala, la violencia contenida y el total desquicie de los personajes son un trasunto de la época más oscura de Robe Iniesta – abandonado por la banda, por su pareja, y enfrentando el momento más encarnizado de su adicción a la heroína. Y en las canciones de “¿Dónde Están Mis Amigos?” la terrible carga de esos elementos se revierte, dando lugar a un disco que enseña de modo inmejorable cómo en materia artística el mal puede redundar en tanto bien. Continue reading

¿Dónde Están Mis Amigos? – Extremoduro (1993) (Album Review)

(Reseña en español en ésta página)

Like many people, I became acquainted with Spanish rockers Extremoduro by virtue of “La Ley Innata” (The Innate Law), a concept album they released in 2008. It had such an impact on me that I went to any lengths to get my hands on a physical copy of the album, eventually buying a boxed set with their entire discography just to have it.

And that was a really, really good thing. Otherwise, I would not have listened to their first albums. Certainly, I wouldn’t have listened to the one being reviewed right now, issued in 1993: “¿Dónde Están Mis Amigos?” (“Where Are My Friends?”)

It’s a well-known fact that adversity is an artist’s greatest ally. Just think of Quadrophenia, if you will. Or XTC’s Skylarking. Yet, the emotional dilapidation and moral degradation of this album is something unprecedented. The evilness it evinces, the violence it holds and the utter madness of the characters mirrors what were the darkest days in the life of singer/songwriter Robe Iniesta, who was also the founder and leader of Extremoduro. The band had just run out on him, he had been abandoned by his girlfriend, and his heroin addiction was at the end of its tether. And the end result was this: an album that highlighted how in art the pain itself can become the greatest healer.  Continue reading

Coya + Ixtlan + BRESH en el C.C. Matienzo

Las bandas de rock alternativo Coya e Ixtlán despidieron el 2016 lanzando nuevos materiales discográficos. Ahora, en la primera fecha que comparten en 2017 tienen una consigna en común: unir fuerzas para potenciar un movimiento que viene en ascenso. En un contexto en el que muchos afirman que el rock nacional está en crisis, estas dos bandas proponen patear el tablero interviniendo el Club Cultural Matienzo para afirmar que el movimiento esta más vivo que nunca, con nuevos talentos, nuevas bandas y mucho para decir.

Acompaña desde las bandejas la fiesta BRESH, de Jaime James (LOUTA), que alcanza su décima edición. Así, este colectivo de artistas apuntan a hacer bailar a la audiencia con la mejor música, confirmando la vigencia de sus propuestas. Continue reading

Entrevista: Leandro Orella de Fiesta

lean orella fiesta

Luego de haber presentado su disco homónimo durante todo 2015, la banda argentina Fiesta se apronta para grabar su segundo álbum. Durante mi último viaje a Buenos Aires tuve el placer de entrevistar a Leandro Orella, cantante y guitarrista del grupo. Éstas son sus reflexiones sobre cómo el pasado, presente y futuro de la banda se sintetizan en lo que sus cinco integrantes ya consideran el proyecto musical de sus vidas.

–Además de ser muy bueno, el disco debut que editaron hace un año me parece muy argentino. Como uruguayo, cada vez que visito Buenos Aires lo que me llama la atención son las luces, me remito instantáneamente al tema de U2 “City Of Blinding Lights”. Pero en el disco de ustedes, además de ver muchas luces veo mucho cielo. Y hay un tema de su disco que dice justo “basta de luz, basta de luz, alcanza con la música en tus venas”…

–Es muy lindo eso que señalás. Ese tema (“Fiesta En Cualquier Lugar”) es el más optimista que creo haber escrito. Fue como una especie de declaración para gente que yo quería mucho, que estaba no perdida (porque nadie está perdida en la vida) sino más bien deprimida porque no se encontraba acá en Buenos Aires. Y básicamente, era (o es) como una declaración diciendo que podés ser feliz en cualquier lugar…

–¿Cómo una proclama o declaración de principios de la banda?

–Sí, sí. El disco tiene como un mix entre canciones de amor y canciones de protesta, pero de protesta social más que nada, apoyando a la cultura y a la introspección, y al encontrarse a uno mismo. Creo que todos en la banda estamos en ese proceso de buscarnos a nosotros mismos… Continue reading

An Interview with Javi Yunes from The Plethora Project (Argentina)

During my last trip to Argentina I became acquainted with Javier Yunes, the founder and frontman of a band called The Plethora Project. The band is currently introducing audiences to its second record, “Split Album” – a collection of songs that converse back and forth among themselves, showcasing identical realities from opposing viewpoints. Javi is as much of a filmmaker as a musician, having studied art school in the past, so the full conversation with him keep that very same spirit alive – it fluctuated between different artistic conceptions until arriving at some sort of realization about the nature of what he has set to create, and how.

the plethora project live

Thank you very much for being here today and sharing the story of your band with the readers of MusicKO. First of all, I’d like to ask you to introduce yourself, so that people who are new to your music will have a basic understanding of who you are, and how that translates into what you do.

Hey, I’m Javi Yunes from the Plethora Project. The band has been around for about ten years. In 2007, we had our first recording experience via a 4-song EP. Afterwards, in 2010/2011 we issued our first long play. It was named “This House Talks”. We were lucky enough to tour many Argentinean provinces, and nowadays we are introducing audiences to our newest record, which is called “Split Album”.

Which part of Argentina do you hail from?

I was born in Córdoba, and when I was three my parents moved to Catamarca. I lived there for fifteen years, I studied elementary and secondary school there, and then I came to Buenos Aires to get a sound degree, and keep moving towards my chosen path.

When was The Plethora Project started?

I moved to Buenos Aires in 2002. The Plethora Project came to be in 2005, after I had been on other bands. It started when I released an album bearing that same name. I listened to it the other day, incidentally. And I found myself thinking how cool it would be to record it exactly as it was, but with a better sound overall.

What makes your new album stand apart from your previous body of work?

This is our first record with both compositions in English and in Spanish – hence, the “split” Concept.

We have always sang in English. And we did so because of aesthetic reasons, it just fitted our music better. Yet, we understand that the language spoken here is Spanish. And this time around we could include it, and we feel it all coalesces together quite well.

Anyway, music is a language we all understand. And we strive to create a special mood. What we want is you to feel as if you were walking through a thousand different worlds when you are listening to our music. We aim to make your mind fly – and we’re not talking about drugs. I don’t believe I am entitled to “change” anybody’s mind, but what I want is to share a piece of mine with other people. Continue reading

“It’s So Fine” by Franco Martinz (Music Video)

franco martinzOne of the wonders of the Internet is how you can become acquainted with people who live a million miles away, but who nonetheless redefine the meaning of the word “synergy”. A musician who lives in Concordia (Argentina), and who has recently issued his first album of original compositions is bringing all this to mind right now. His name is Franco Martinz, and a fellow musician connected us on Facebook. And the rapport we have struck is just atomic.

This is his first promotional video: “It’s So Fine”. The song is included on his CD (“Latinoamericana”) as a bonus track.

Franco is a true admirer of Sir Paul McCartney and I think such an electricity is what powers this song, and results in a melody that passes the test with flying colors.

The band that plays on Franco’s album comprises Ochi Castillo on drumpad/percussion, Ángel Gabriel López on guitars and Matías José Solana on keyboards. Matías is also the producer of Francisco’s album – give it a spin, you can stream it for free on his own website. I particularly like the piano-driven “Caminante Nocturno” [Night Walker] and “Ella” [She] – on both songs, his appreciation of Wings is put to the best possible use.

Incidentally, the four of them also have a parallel project called CHIPSZ, which focuses on covering material from seminal 80s bands such as The Police, Queen et al. (That’s why the name nods to the quintissential TV show “California Highway Patrol”)

You can learn more about Francisco on his Facebook fanpage. And you can follow him on Twitter, too.

New Video by Uruguayan Band “Ovejas Eléctricas”: “Ser Astronauta Hoy”

ovejas electricas pueblo de fantasmas

A band defying the tradition which dictates that groups with the word “electric” in their names shall perish when they’re young (see “Electric Flag” for a good example), “Ovejas Eléctricas” [Electric Sheep] up the ante with the release of a new promotional video.

It revolves around the song “Ser Astronauta Hoy” [To Be A Spaceman Today], and it has been extracted from their album “Pueblo de Fantasmas” [Ghost Town], which you can download for free on their own site.

A Spanish-language album which sounds noticeably English, “Pueblo de Fantasmas” is made up of ten songs – the CD was actually started as an EP that got expanded along the way, becoming a full work on its own right. At least half the numbers are A-side quality – the physical opener “Larga Distancia” [Long Distance] with its clinging guitars and defeatist lyrics that still speak of fulfillment, the broody, Radiohead-esque “Un Pie En La Tierra” [One Foot In The Earth], “Entre Máquinas” [Between Machines] with vocals and melodies that soar as much as the lyrics demand… My personal favorite is “El Sol y Otras Mentiras” [The Sun and Other Lies], mainly on strength of the lyrics, which recapitulate the one conversation I had with the band in person not so long ago, and their stance as regards the contemporary music scene. And the seesawing fade (from minute 3:50 onwards) is also a good example of the attention they pay to detail when crafting their songs.

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