Fundadora de la legendaria banda de pop Viuda e Hijas de Roque Enroll, Mavi Díaz ha compartido el estudio y el escenario con artistas como Charly García, Gustavo Cerati, Fito Paez, Andrés Calamaro, Los Twist, Man Ray, Patricia Sosa y Daniela Herrero, en una carrera que ya alcanza cuatro décadas de trayectoria ininterrumpida, y múltiples reconocimientos (incluyendo tres Premios Gardel). Su proyecto actual es “Mavi Díaz Y Las Folkies”, banda con la que cual ha girado por Europa y Asia, y cuyo tercer disco de estudio (“Gaucha”) fue publicado a inicios de este mes.

Tuve el agrado de conversar con Mavi sobre la presentación de este nuevo álbum (a realizarse el próximo 10 de mayo en la Sala Siranush), y repasar el camino que la condujo a esta instancia especialmente prolífica de su carrera, la cual realza el valor del talento femenino dentro del folkore de raíz.

Tu carrera abarca etapas muy distintas, y recala en algunos de los nombres más significativos de la historia de la música argentina contemporánea como ser Charly García, Andrés Calamaro, Fito Paez y Gustavo Cerati. ¿De qué modos dirías que el contacto con esas personas nutrió tu evolución artística?

Las colaboraciones con músicos a los que una admira siempre son enriquecedoras, y cada una de ellas deja huella. Realmente me siento afortunada por haber tenido la suerte de poder participar en shows, discos, o compartir proyectos con semejantes artistas.

Concretamente, ¿te animarías a destacar o señalar algo que atesores de cada una de estas cuatro personas que acabo de mencionar?

Charly fue y es mi ídolo de toda la vida. Participé en la grabación de “Say No More” en Madrid y fue muy amoroso conmigo, como estábamos solos esos días compartimos mucho tiempo, y fue un aprendizaje bestial para mí. Con Fito grabamos el concierto “No Sé Si Es Baires o Madrid” pero ya habíamos colaborado con Viudas en sus primeros discos y siempre es un placer trabajar con él. Con Andrés grabé en su disco “Por Mirarte” hace mucho tiempo y también tocamos en vivo. Y qué decir de Gustavo… un capo como pocos. Grabé y trabajé con él muchas veces, incluso él produjo el germen de lo que fue mi primer disco solista. Nos unía una hermosa amistad. Ya ahora trabajo con su hijo Benito, junto a Tweety González produjimos sus dos primeros discos.

Y en lo que respecta a tu proyecto más emblemático (Viuda e Hijas de Roque Enroll), ¿cómo se amolda (o dialoga) con lo que son Las Folkies? ¿En qué aspectos sentís que su espíritu está latente en tu proyecto actual? Al respecto, me resulta muy simpático un hashtag que solés emplear: #rockthefolk.

Viudas y Folkies son sin duda los proyectos más importantes de mi vida. Es bastante obvio pero lo que tienen en común soy yo y mi forma de abordar la música y la lírica. Yo siento que Las Folkies, si bien hacemos folklore tradicional en su estructura y en su instrumentación, la rockeamos muchísimo. Nuestra actitud es rockera, nuestra estética y nuestra forma, pero como digo, siempre muy respetuosas de las raíces y de lo tradicional. Siempre decimos que nos gusta lo moderno de antes y eso mismo nos pasaba con las Viudas.

¿Qué motivó la fundación de las Folkies? ¿Cómo se establecieron los vínculos entre ustedes?

La idea de armar Folkies fue de mi manager de entonces, Maya Vázquez. Yo venía tocando con unos capos tremendos como Gaby Luna, Franco Luciani, Daniel Patanchón, pero cada uno de ellos ya tenía proyectos propios que les demandaban dedicación y empezaban a complicarse las agendas. Entonces a Maya se le ocurrió convocar a las chicas y fue la mejor idea que alguien pudo tener jamás. Pusimos una fecha como para ver si había química entre nosotras y si nos sentíamos a gusto tocando juntas y fue amor a primera vista, un romance que afortunadamente se nutre y se renueva cada día de estos 9 años que ya llevamos juntas.

¿En qué se diferencia el nuevo álbum de los dos anteriores, “Todo Sí!” y “Sonqoy”? Te he escuchado decir que es tu disco más personal pero a su vez más colectivo. ¿Cómo se traduce eso en el plano musical?

“Sonqoy” fue nuestro disco bautismal, nuestra primera experiencia juntas en estudio y contiene canciones que yo venía componiendo de antes de conocer a las chicas. “Todo Sí!” ya muestra a unas Folkies más “rodadas” con muchos shows y viajes encima. Ahora, en este disco comienza la composición en conjunto.  A diferencia de “Todo Sí!” que fue grabado a lo largo de todo un año, entre giras y viajes en los cuales tocábamos los temas, “Gaucha” tomó forma en 10 días de estudio. Muchas de las canciones ven la luz por primera vez en el estudio, muchos arreglos son creados en el momento de grabar. Me gusta una definición que hizo el periodista Gerardo Rozin: “Gaucha” es un disco “urgente”, necesario.

¿Ha incidido en esto el reconocimiento que han recibido en materia de galardones, incluyendo los Premios Gardel?

Los premios y los reconocimientos son siempre gratos porque de alguna manera reafirman que una está en el camino correcto. “Todo Sí!” nos dio muchas alegrías, entre ellas dos nominaciones y un Gardel, lo cual nos llena de orgullo. Pero una no piensa en eso cuando gesta un disco, especialmente “Gaucha”, como digo, nace de una necesidad de poner en palabras y en música los sentimientos que nos atraviesan como músicas, como mujeres, en lo personal y en lo colectivo. Por supuesto sin perder la alegría y nuestra pasión por la danza nativa que es también un motor muy fuerte del disco.

El viernes 10 de mayo presentan oficialmente este nuevo disco en sociedad, ¿qué podrías adelantarnos de este evento en la Sala Siranush de Palermo?

Estamos preparando un show hermoso con una puesta preciosa a cargo de Diego Wulff y Sofía Gabrieludis, vamos a tocar primero el disco nuevo en el orden, como hicimos con “Todo Sí!” porque queremos que la gente viaje disco adentro y se meta en el universo que proponen las canciones y después por supuesto tocaremos todos los “hits” y haremos una Folkie peña a nuestro estilo.

¿Y cómo sigue su agenda de presentaciones luego?

Después del concierto Martina parte a Europa en gira con Peteco, yo viajo también a Europa a cerrar una gira que haremos en Octubre y durante julio y agosto gira nacional por Argentina

¿Cómo ves la escena musical en Argentina, y en la región? Y dado que con las Folkies han llegado a presentarse no solo en Europa sino también en Asia, ¿qué paralelismos podrías trazar? ¿Qué podríamos incorporar del esquema que existe en esos países a los nuestros? Y a su vez, ¿en qué sentidos ellos pueden tomarnos como referentes?

Argentina tiene una riqueza musical enorme en todos sus géneros y en todas sus regiones, pero a diferencia de otros países donde hemos estado y tocado, aquí cuesta mucho lo nuevo. La gente generalmente no sale a buscar propuestas nuevas,  va más bien a lo que conoce o a lo que escucha mil veces en los medios. Nosotras hemos llegado por ejemplo a salas enormes en USA preguntándonos preocupadas quién iría a vernos y sorprendernos con una sala llena de gente que va a descubrir música que no conoce para nada. Otra buena costumbre que tienen afuera es que están acostumbrados a comprar música, compran discos físicos y en las tiendas digitales. Independientemente de la crisis argentina, nosotros somos más de querer todo gratis. Pero sí que somos muy respetados en el mundo por nuestra creatividad.

En lo estrictamente personal, ¿tenés alguna otra actividad programada, como ser colaboraciones con otros artistas? ¿Hay algún artista nuevo con el que quisieras trabajar?

En “Gaucha” tuvimos el honor de tener dos invitados de lujo: Marcela Morelo y Franco Luciani. En el mes de Julio vamos a hacer un espectáculo junto a Teresa Parodi y Marian Farías Gómez, dos de mis artistas referentes a quienes admiro y adoro. Voy a participar también en un disco de Ska Beat City que van a versionar un tema mío de Viudas. También acabo de rodar mi participación en un documental para Netflix sobre el rock en Latinoamérica. Como productora no dejo de sorprenderme de la nueva camada de músicas talentosísimas que hay, y sí, me gustaría producir a muchas de ellas.

Te agradezco enormemente por tu tiempo, y les deseo todos los éxitos con el nuevo disco. ¡Esperamos verlas en Uruguay en algún momento!

¡Ojalá así sea!

(Fotografía de Mavi Díaz & Las Folkies: Pablo Scavino)

{ 0 comments }

Endless Wire (The Who) – Album Review

by Emilio Pérez Miguel on March 26, 2019

The circumstances surrounding the final Who album of 1982 (It’s Hard) were so bitter that it took the band 24 years to finally summon the resolve to issue a new album of original compositions. Unfortunately, John Entwistle was to pass away in Las Vegas on the eve of a Who tour before their new record (“Endless Wire”) could materialize, casting a question mark on the true validity of this new work as a Who piece, which (quite aptly) finds Roger singing “will there be music/or there will be war” at its conceptual climax.

Personally, I’m not going to entangle myself into the “this is not The Who any longer” debate, simply because there is no such debate to be had.

The Who did not have four members; The Who had four leaders. All three instrumentalists were revolutionary. Now the rhythm section is gone, and we have Pino Palladino on bass – a superb musician, but not someone who aims to replicate Entwistle’s thunder (nor should he, in the same way no-one really expected Kenny Jones to ape Keith Moon’s sound). Yet, the current incarnation of the band does feature Zak Starkey, who is incontestably the most skillful drummer The Who has ever had on Moon’s stead.

Which brings me to my one principal problem regarding “Endless Wire” – Zak does not make an appearance, as he was occupied touring and recording with Oasis. He does drum on namely one track, and it’s easily one of the standouts: “Black Widow’s Eyes” – a song about Stockholm Syndrome which evinces suspense and impending fatality, conjuring back the kind of tension that always defined The Who’s most characteristic numbers.

The album was released in October 2006, and it is divided in two parts. The first is an unconnected collection of vignettes and songs. The second is a mini-opera entitled “Wire & Glass” (which was also the name of an EP the band released ahead of the album).

Old friends abound – Pete’s brother Simon, keyboardist John “Rabbit” Bundrick (the unofficial “fifth” member of The Who for as much as 30 years now) and also Billy Nichols, a Baba lover whose name will be instantly familiar to fans of Pete Townshend’s solo oeuvre (IE, Who enthusiasts everywhere).

The first nine tracks find Roger and Pete trading vocals throughout, and the songs themselves have a marked acoustic air, which is even reminiscent of The Who By Numbers in places.

Roger is in fine form throughout – give the man his due, he was on his seventies when he recorded this. His delivery is nuanced, and has a theatrical sheen of its own that somehow compensates for the missing roar of yore.

Nostalgia sets the tone from the very commencement with “Fragments” nodding to “Baba O’ Riley”, and (depending on your stance on The Who’s actual framework) you’ll either find it really endearing or the most conformist thing they ever set to tape (to be fair, Pete didn’t even write it all by himself – British multimedia composer Lawrence Ball receives a co-credit). 

Elsewhere, we have a song inspired by “The Passion of The Christ” (“Man In A Purple Dress”), and Pete might as well have the most touching moment of the whole album when he sings “God Speaks Of Marty Robbins” (a song which was actually made available on demo form during his “Scoop” series in 2001).

Conversely, it’s Pete who sings the one and only nadir of the album – “In The Ether”. I find it ludicrous to believe that he did actually record and listen to that and opted to include it on the finished album.

“You Stand By Me” closes the first side of the record. The song is certainly not without charm, but it is too brief, and the motif would be taken up again on the closing number of the album, and addressed more satisfactorily at that (although I do concede the two songs work well in tandem, offering Pete and Roger’s individual reflections on their fifty-year strong relationship).

The “Wire & Glass” mini opera is the most Who-like part of the album. It obviously helps that the subject matter hits home – it tells the story of some childhood friends that form a band, effectively replicating the story of The Who in more aspects than one (“we found a dream to dream/we were the carriers”, Roger sings on “We Got a Hit”, before retorting “we talked a lot of crap/they wanted more!”). Townshend’s aunt Trilby (the person who encouraged him as a musician when he was a boy) gets a name check, and the concept of a transcendental concert (IE, the one that fueled the “Lifehouse” project) shines through again on “Mirror Door” – a song which was actually released as the album’s first single, and that did acquit itself well on the charts. And “Tea & Theatre” ends the album on the most suitable of notes, featuring just Pete and Roger, who provides a vocal which manages to be both powerful and fragile. And the live versions just punctuates everything all the better.

I do also have the “expanded” version of the album, which includes an elongated version of “We Got a Hit” which outright vexes me – while the original is dizzying, this alternate take just plods along. What’s the added value in something like that?

This expanded version also comes with a DVD which is quite fun to watch but all too succinct (only one song from the new album?), and the person who thought that mimicking the “Leeds” cover was a good idea needs his head examined.

On the whole, “Endless Wire” is a solid album. Pete is very focused. Even his chord progressions (one of the main points of contention for people who tend to dismiss the band) are subjected to some very peculiar twists of their own.

And as of the time of writing this, the band is recording a new album. It will feature Zak on the majority of its track, and (in quite a bit of a stunner) Roger will also pen original material alongside Pete (who, by the way, is going to release his first novel, which will most likely set the scene for a new solo album). Actually, Roger did write some songs for “Endless Wire” – a much-cited composition titled “Certified Rose” did not make the cut. And neither did a song by John named “Sabotage”, for which it was heavily-rumored that a usable soundcheck bassline was available. 

Like everybody else, I had strong reservations when I learned The Who were issuing an album after John Entwistle’s passing. I actually took a long time to buy it. But as you can tell by this review, I was gratefully surprised.

However, I did not attend the band’s one show in Argentina in 2016; it was their first time playing South America. I do regret it now, specially after having listened to their “Live At Hyde Park” album. I hope I’ll be able to make up for that one big mistake if they tour their upcoming album. Now I know what I will find on stage.

Most of everything, I know Who I will find.

Music makes me, makes me strong
Strong vibrations, make me long
Long for a place where I belong
You will find me in this song

– Mirror Door

{ 0 comments }

Como Noches de Magia – Don Osvaldo en Uruguay (19/01/2019)

January 20, 2019

Hace 24 años la historia comenzaba en Villa Celina, Buenos Aires identificados bajo el nombre “Rio Verde” para luego de dos años transformarse en “Callejeros”. Banda reconocida por tocar en el ambiente under de argentina y compuesta desde los orígenes por Elio Delgado (guitarra), Maximiliano Djerfy (guitarra), Juan Carbone (saxofón), Christian “Dios” Torrejón (bajo eléctrico), […]

Read the full article →

“This Is Pop” – the XTC documentary (Showtime, 2018)

January 2, 2019

“This Is Pop” is a documentary that avoids the far(c)e associated with the vast majority of “rockumentaries”, but that comes as no surprise if you are familiarized with the band it centers on: XTC. And if you’re not, then its frontman Andy Partridge makes that clear pretty early on, when he states they were never […]

Read the full article →

Los Oxford Celebran 15 Años – Entrevista a Joselo de Olarte

December 15, 2018

Los Oxford celebran 15 años y lo festejan en Bluzz Live, en un evento compartido con Los Seres Vivientes y la banda argentina Inseparables (la cual debutará en Uruguay ese día). El show incluirá el adelanto de muchas canciones del próximo disco del grupo, como nos cuenta el vocalista Joselo de Olarte en esta entrevista, […]

Read the full article →

Tito Fargo (ex-Sumo y Redonditos de Ricota) en Concierto Benéfico y Solidario

November 28, 2018

Todos lo llaman Tito Fargo, pero su nombre real es Héctor D’ Aviero. Es el único músico que fue parte de la historia de dos de las bandas argentinas que definieron al rock como lo conocemos hoy en la región: Los Redondos, y Sumo. Produjo los dos discos que le abrieron las puertas al estrellato […]

Read the full article →

Lapso, 10 Años Después: Entrevista a Andrés Miranda y Gonzalo Neira

November 20, 2018

Luego de una ausencia de diez años, la banda de rock alternativo Lapso vuelve a los escenarios con un nuevo EP para presentar en sociedad (“SINCRO”), y añadiendo un nuevo integrante en guitarras (el ex-Varsovia Gonzalo Neira). Me reuní con Gonzalo y Andrés Miranda (uno de los cuatro miembros originales del grupo) y conversamos sobre […]

Read the full article →

Entrevista al Músico Uruguayo Flavio Machado

November 8, 2018

  Oriundo de Tacuarembó, Flavio Machado es quizá uno de los vocal coach con una carrera más extensa en nuestro país, habiendo trabajado con artistas tan variados como Alejandra Wolff, Cuatro Pesos de Propina, Mala Tuya, Ignacio Larronde y Damián Gularte. El próximo 20 de noviembre presenta su nuevo disco solista (el primero en diez […]

Read the full article →

Campaña del Juguete en Tractatus con Dastin & Los Indios de Siempre, Micaela Schliper y Ontario

October 25, 2018

Éste sábado tiene lugar en Montevideo una nueva instancia de la Campaña del Juguete – una gira de conciertos que beneficia a hospitales pediátricos, junto con instituciones como merenderos, escuelas y centros CAIF. La característica de estos conciertos es que la entrada es siempre un juguete, el cual es donado en Navidad al destinatario en cuestión. […]

Read the full article →

Guzmán Méndez presentó “(para) Continuar” en Inmigrantes

October 10, 2018

El jueves pasado en Inmigrantes, el músico uruguayo Guzmán Méndez presentó su nuevo disco solista: “(para) CONTINUAR”. Tuvimos el agrado de conversar con quien fuera el líder y voz de la banda uruguaya Varsovia sobre ésta nueva obra, y todo lo relativo a su lanzamiento. Como músico, con Varsovia viste desde dentro la consolidación de […]

Read the full article →