From Paris, an Interview with electro pop artist Bliss My Heart

(All photos by: Dawn Barucq)

Bliss My Heart is a new electro pop project from Paris. Led by singer/songwriter Jenna, its first three-song EP is entitled “Morningstar”. It takes on her love of the music of Bauhaus, Depeche Mode and Lana del Rey, the three artists she relates to the most. I had the chance to interview Jenna via e-mail, and below you will find the very interesting answers she provided regarding how she connects with the world and conveys her very emotion through music, as well as some insight on her upcoming releases and activities.

What is the first musical memory you have?

When I was 7 years old, my father worked as Moon Martin’s manager. One day, Moon was at home to record an álbum, and there were many guitars at home. I also remember my father bringing me to a music festival. It was very cool!

And when did you first arrive at the resolution of pursuing a career in the music industry?

I wrote my first song when I was 13. I understood from a very young age that music would be very important in my life. I have always written music and lyrics, sung, played guitar, piano… And I have always wanted to be in a serious musical project. When I met Damien Badey & Eddy Rateni last year, I knew it was the right moment to do it!

What was the inspiration for your first EP, “Morningstar”? When did you write these three songs? What was the reason or concept in choosing these three over any others you may have stocked already?

The inspiration for “Morningstar“ came from a journey I undertook. I visited places like California, Nevada, Monaco and London. And each and every time, I needed to set down my feelings in music. Cities like LA, Indian Wells or Goodsprings (in Nevada) gave me a lot of energy to compose music.

I wrote many songs, but we decided on those 3 to start the project, and record an EP. We’re working on new tracks right now.

In general, how do you write music? What is the process you usually follow?

I need to be alone to write music and lyrics. I do this job at home with my piano, my guitar and my computer. Then, as the demo is ready, I send it to Damien and Eddy. They work on the arrangements and the mix. We record vocals at Damien’s studio in Paris, and then Pete Maher masters the songs.

On the press release for “Morningstar” you mention three artists that are very strong points of reference: Bauhaus, Depeche Mode and Lana del Rey. Can you point out something you value in each one of them as artists, and that you have made a conscious effort to integrate or replicate in your own music?

I think Bauhaus is the first band that ever gave me the feeling (and also the need) to create music in a serious, committed way. The voice of Peter Murphy is awesome. I’m in love with Lana Del Rey’s universe, her wordplay is amazing I love her references, and her Californian side as well. I like what she says. Depeche Mode is the best band I’ve ever seen in concert in my life. I love how they process their music. The song “Going Backward“ is one of their best songs.

These 3 bands all have a different energy, and a different way to introduce their emotions. And I relate to that.

What is your understanding of South American music? Specifically, which artists from the RIver Plate región (IE Uruguay and Argentina) are known in your country, independently of the musical genres they ess

I know Elli Medeiros, as she is famous is France. And I also know and like Andrés Calamaro, and his band “Los Abuelos de la Nada”. You have amazing music. Very intense and very interesting. A french singer “Benjamin Biolay” released a record which is called “Palermo Hollywood” he recorded it in Buenos Aires, and it’s a favorite of mine!

What are your plans for the foreseeable future? Do you have more releases already scheduled? And when the time to play live and tour comes again, what would be your preferred context and setting for sharing your songs?

Because of the actual situation, it’s very hard to project anything regarding live music. We are working on a new track with my team, and right now I am focused on promoting my EP. And I also released a new video clip last week, “A Rose Diary“. The clip was shot in Les Alpes French Mountains, and it stars an adorable Huskie!

And given the opportunity to record or tour with any artist in the world, who would it be, and why? 

I would be very happy to record with Dave Gahan and Axl Rose. I love their universes, and the way they play and compose music. “Estranged“ from Guns N’Roses is one of the best song in the world.

 

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Entrevista – Los Halven (Uruguay)

Con múltiples EPs y videos editados, Los Halven se presentan como una de las bandas uruguayas con una comprensión más interesante de cómo el arte puede no solo traspasar las fronteras estéticas, sino también redefinirlas a voluntad, y hacerlo con una exquisita finura. Tuve el agrado de conversar con su cantante y guitarrista Gon sobre la dinámica de esta banda que propone una comunión permanente entre géneros y climas musicales, resultando en una experiencia característica dentro de la escena musical uruguaya actual.

Los Halven

Su banda propone un diálogo no solo entre géneros musicales (rock y murga) sino también entre formas – el nombre alude al mundo audiovisual, y la propuesta escénica en sí contiene infinidad de guiños al cine y la televisión. Si bien esto es algo endémico de la postmodernidad, ¿qué tan deliberado (o espontáneo) sienten que fue el proceso evolutivo del grupo hasta desembocar en su propuesta actual?

La sustitución del trío de batería de murga por una batería convencional de rock surgió como necesidad de darle vuelta un poco al formato clásico de rock al adoptar una instrumentación que existe solo en Uruguay. Nos interesaba generar un nuevo formato de banda y que con su instrumentación se supiera que somos de Uruguay. Lo que tiene la batería de murga es que se adapta ya que tiene los instrumentos base de una batería convencional y el estilo de música que hacemos es rock alternativo. Alternativo o Indie porque tiene fusiones con ritmos de tendencia y sobretodo con brit pop, dance y post punk. Siempre en español. Aún no tenemos nada de murga en los ritmos de las canciones pero puede ser que en algún futuro podemos tener canciones con marcha camión porque se adapta muy bien para ritmos base de rock.

Con respecto a nuestro vínculo con el mundo audiovisual, la idea era tener algo que tenga que ver con nuestra edad, nuestra identidad y a lo que nos dedicamos. Una vez estábamos en un ensayo zapando y surgió la línea de bajo de The Chain de Fleetwood Mac. En los 80 y 90 existió una distribuidora de VHS que se llamaba Halven S.A. y usaba como cortina musical esa canción. Ahí surgió la idea de usar el nombre y eso termina siendo el disparador de todos lo que surgió después: colores de la señal de ajuste en el vestuario, gráfica, discografía, letras que hablan de películas, etc.

La idea es que siempre la banda tenga varios elementos identificatorios que nos diferencien un poco del resto.

https://www.youtube.com/watch?v=-LuvlsLgzNA

¿Cómo se constituyó la banda? ¿Quiénes la fundaron, y quiénes pasarían a integrarla luego?

La banda se formó a partir de esa inquietud personal y la idea de poder generar esa nueva propuesta de banda de rock, mezclando con la batería de murga. Fui probando y grabando canciones propias con la batería de murga y a la vez estudiando y observando los movimientos de muchas bandas. Hasta que un día me explotó la cabeza y decidí que si o si había que materializar. Hice una reunión con amigos músicos que podían acompañarme (he formado parte de distintos proyectos con algunos) y aceptaron el desafío. Desde un principio cada etapa  que vamos viviendo es aprovechada al máximo, siempre planificando, desde un ensayo hasta todo lo demás. Si algo se estanca, se sigue produciendo por otro lado y así. No hay tiempo para perder y siempre hay que seguir.

Los Halven recogen lo más característico de los dos mundos musicales con los que una persona joven puede tener un contacto más inmediato en Uruguay: el rock, y la murga. Ahora, además de las evidentes consideraciones logísticas que los llevaron a incorporar una batería de murga a la banda en lugar de una batería convencional, ¿cuál fue la principal inquietud estética que buscaron atender con éste planteo?

La estética nos importa y la formación contribuye a que es una imagen de banda original. Nos mueve la idea de ésta formación y nos pone en la responsabilidad de rendir profesionalmente. El trío de batería plantea una nueva estética de formato de banda, y tener un elemento auténtico de nuestro país. Eso es otra necesidad debido a las influencias que tenemos, sea The Beatles, U2. Queríamos tener algo que nos identificara a nuestro país, no solamente el idioma. Personalmente me ha tocado viajar (viaje de arquitectura) y me he planteado mínimamente sentir y vivir un poco esos lugares con respecto a la historia de cada banda. El sentido de pertenencia de un grupo musical a su país tiene que estar siempre, por más que después sean globales. También forma parte de la identidad.  

Al tener un aspecto visual tan prominente, ¿sienten que sus grabaciones de estudio reflejan la verdadera esencia de la banda? ¿De qué modos laboran sus pistas de audio para que plasmen el espíritu real del grupo?

Por ahora estamos produciendo nosotros y al ser ritmos simples y con loops podemos grabar algunas cosas en home studio y editar en programa multipista. Después mandamos mezclar y masterizar a estudio.

¿En algún momento visualizan expandir su formación, y agregar nuevos instrumentos?   

Creo que no. Quizás puede ser alguna colaboración en algo muy puntual, nos sentimos identificados con las bandas que mantuvieron la formación y son identificadas a lo largo del tiempo por eso mismo.

¿Cuál (o cuáles) han sido los puntos de inflexión en la carrera de Los Halven? En concreto, cuál fue el momento en que se dieron cuenta que la banda podía tener una cierta continuidad en el tiempo?

Creo que desde un principio. Estamos seguros de tener una oportunidad única para trascender debido a la propuesta, la energía y a las ganas de hacer música que guste a todos. Lograrlo solo depende de nosotros y de las canciones que compongamos. Tenemos mucha fe para llegar muy lejos.

¿Con qué bandas de la escena local sienten más afinidad?

Con varias. De todas rescatamos cosas.

¿Y de la escena regional?

Y, con aquellas que mezclan bien lo anglosajón con el idioma español. Desde Virus y Soda Stereo hasta Café Tacuba, etc.

De tener la posibilidad, ¿qué artistas extranjeros les gustaría telonear?

Con aquellas bandas que marcaron nuestras influencias: U2, Coldplay, Two Door Cinema Club, Foster The People, The Killers, Franz Ferdinand, Oasis (si se juntaran) o cualquiera de los Gallagher, The Strokes, Blur, etre otras.

Hace una semana editaron un EP, ¿qué repercusiones inmediatas tuvo?

Muy buenas. Lo estamos difundiendo y hay buena recepción. Siempre pensamos que todo material va sumando y que hay que seguir pensando en lo que se viene. Las canciones gustan casi por igual, lo cual nos sorprendió porque pensamos que alguna era la más favorita. Pero a la gente les gustan distintas canciones del EP.

https://www.youtube.com/watch?v=U5kmAc-FlKM

¿Y qué planifican ahora a nivel de estudio? ¿Van a editar discos, o prefieren concentrarse en el formato de composiciones específicas como “Tokio”, el más reciente corte de difusión que tuvo también su respectivo video? ¿Les genera eso algún conflicto? Porque son una banda que opera en un plano muy conceptual, y asumo que deben tener presente que ciertos mensajes solo pueden transmitirse cabalmente en un formato que permita una exposición temática extensa.

La producción musical de los artistas ha cambiado mucho en los últimos años, va de canción en canción y no de disco a disco como hace más de 20 años atrás. Pensamos que un disco es una obra que todo artista debe tener, pero lo primordial son las canciones, y el modo de consumo se ha sintetizado a escuchar canciones y no un disco entero. Ahora cada persona puede hacer su propio disco creando playlists. Ese es el objetivo a corto plazo. A largo plazo nuestra idea es hacer el lanzamiento de 6 discos, uno de cada color, empezando por el álbum amarillo y luego siguiendo el orden de lo que son los colores a la señal de ajuste. Queremos que el camino esté planteado en la discografía como un paquete de discos, como objetos coleccionables. Esto permitiría generar un plus en el disco tangible.  

Por último, ¿cómo se dispone su agenda de toques para este año? ¿Van a realizar una presentación oficial del EP?

Hemos tocado bastante y ahora nos estamos concentrarnos en la producción y  la difusión del EP, tanto para Uruguay como para fuera de fronteras, contactándonos y generando notas de radio y prensa, aquí y para otros países. Ya estamos produciendo el video clip de “Hermosa la noche”. Va estar muy bueno, queremos tratar el tema de la migración, incluyendo a muchas personas de todo el mundo con un sistema de edición muy atractivo visualmente. En un tiempo estaremos disponibles nuevamente para shows y tocar estos temas.

“¡Rock the Folk!” – Entrevista a la Artista Argentina Mavi Díaz

Fundadora de la legendaria banda de pop Viuda e Hijas de Roque Enroll, Mavi Díaz ha compartido el estudio y el escenario con artistas como Charly García, Gustavo Cerati, Fito Paez, Andrés Calamaro, Los Twist, Man Ray, Patricia Sosa y Daniela Herrero, en una carrera que ya alcanza cuatro décadas de trayectoria ininterrumpida, y múltiples reconocimientos (incluyendo tres Premios Gardel). Su proyecto actual es “Mavi Díaz Y Las Folkies”, banda con la que cual ha girado por Europa y Asia, y cuyo tercer disco de estudio (“Gaucha”) fue publicado a inicios de este mes.

Tuve el agrado de conversar con Mavi sobre la presentación de este nuevo álbum (a realizarse el próximo 10 de mayo en la Sala Siranush), y repasar el camino que la condujo a esta instancia especialmente prolífica de su carrera, la cual realza el valor del talento femenino dentro del folkore de raíz.

Tu carrera abarca etapas muy distintas, y recala en algunos de los nombres más significativos de la historia de la música argentina contemporánea como ser Charly García, Andrés Calamaro, Fito Paez y Gustavo Cerati. ¿De qué modos dirías que el contacto con esas personas nutrió tu evolución artística?

Las colaboraciones con músicos a los que una admira siempre son enriquecedoras, y cada una de ellas deja huella. Realmente me siento afortunada por haber tenido la suerte de poder participar en shows, discos, o compartir proyectos con semejantes artistas.

Concretamente, ¿te animarías a destacar o señalar algo que atesores de cada una de estas cuatro personas que acabo de mencionar?

Charly fue y es mi ídolo de toda la vida. Participé en la grabación de “Say No More” en Madrid y fue muy amoroso conmigo, como estábamos solos esos días compartimos mucho tiempo, y fue un aprendizaje bestial para mí. Con Fito grabamos el concierto “No Sé Si Es Baires o Madrid” pero ya habíamos colaborado con Viudas en sus primeros discos y siempre es un placer trabajar con él. Con Andrés grabé en su disco “Por Mirarte” hace mucho tiempo y también tocamos en vivo. Y qué decir de Gustavo… un capo como pocos. Grabé y trabajé con él muchas veces, incluso él produjo el germen de lo que fue mi primer disco solista. Nos unía una hermosa amistad. Ya ahora trabajo con su hijo Benito, junto a Tweety González produjimos sus dos primeros discos.

Y en lo que respecta a tu proyecto más emblemático (Viuda e Hijas de Roque Enroll), ¿cómo se amolda (o dialoga) con lo que son Las Folkies? ¿En qué aspectos sentís que su espíritu está latente en tu proyecto actual? Al respecto, me resulta muy simpático un hashtag que solés emplear: #rockthefolk.

Viudas y Folkies son sin duda los proyectos más importantes de mi vida. Es bastante obvio pero lo que tienen en común soy yo y mi forma de abordar la música y la lírica. Yo siento que Las Folkies, si bien hacemos folklore tradicional en su estructura y en su instrumentación, la rockeamos muchísimo. Nuestra actitud es rockera, nuestra estética y nuestra forma, pero como digo, siempre muy respetuosas de las raíces y de lo tradicional. Siempre decimos que nos gusta lo moderno de antes y eso mismo nos pasaba con las Viudas.

¿Qué motivó la fundación de las Folkies? ¿Cómo se establecieron los vínculos entre ustedes?

La idea de armar Folkies fue de mi manager de entonces, Maya Vázquez. Yo venía tocando con unos capos tremendos como Gaby Luna, Franco Luciani, Daniel Patanchón, pero cada uno de ellos ya tenía proyectos propios que les demandaban dedicación y empezaban a complicarse las agendas. Entonces a Maya se le ocurrió convocar a las chicas y fue la mejor idea que alguien pudo tener jamás. Pusimos una fecha como para ver si había química entre nosotras y si nos sentíamos a gusto tocando juntas y fue amor a primera vista, un romance que afortunadamente se nutre y se renueva cada día de estos 9 años que ya llevamos juntas.

¿En qué se diferencia el nuevo álbum de los dos anteriores, “Todo Sí!” y “Sonqoy”? Te he escuchado decir que es tu disco más personal pero a su vez más colectivo. ¿Cómo se traduce eso en el plano musical?

“Sonqoy” fue nuestro disco bautismal, nuestra primera experiencia juntas en estudio y contiene canciones que yo venía componiendo de antes de conocer a las chicas. “Todo Sí!” ya muestra a unas Folkies más “rodadas” con muchos shows y viajes encima. Ahora, en este disco comienza la composición en conjunto.  A diferencia de “Todo Sí!” que fue grabado a lo largo de todo un año, entre giras y viajes en los cuales tocábamos los temas, “Gaucha” tomó forma en 10 días de estudio. Muchas de las canciones ven la luz por primera vez en el estudio, muchos arreglos son creados en el momento de grabar. Me gusta una definición que hizo el periodista Gerardo Rozin: “Gaucha” es un disco “urgente”, necesario.

¿Ha incidido en esto el reconocimiento que han recibido en materia de galardones, incluyendo los Premios Gardel?

Los premios y los reconocimientos son siempre gratos porque de alguna manera reafirman que una está en el camino correcto. “Todo Sí!” nos dio muchas alegrías, entre ellas dos nominaciones y un Gardel, lo cual nos llena de orgullo. Pero una no piensa en eso cuando gesta un disco, especialmente “Gaucha”, como digo, nace de una necesidad de poner en palabras y en música los sentimientos que nos atraviesan como músicas, como mujeres, en lo personal y en lo colectivo. Por supuesto sin perder la alegría y nuestra pasión por la danza nativa que es también un motor muy fuerte del disco.

El viernes 10 de mayo presentan oficialmente este nuevo disco en sociedad, ¿qué podrías adelantarnos de este evento en la Sala Siranush de Palermo?

Estamos preparando un show hermoso con una puesta preciosa a cargo de Diego Wulff y Sofía Gabrieludis, vamos a tocar primero el disco nuevo en el orden, como hicimos con “Todo Sí!” porque queremos que la gente viaje disco adentro y se meta en el universo que proponen las canciones y después por supuesto tocaremos todos los “hits” y haremos una Folkie peña a nuestro estilo.

¿Y cómo sigue su agenda de presentaciones luego?

Después del concierto Martina parte a Europa en gira con Peteco, yo viajo también a Europa a cerrar una gira que haremos en Octubre y durante julio y agosto gira nacional por Argentina

¿Cómo ves la escena musical en Argentina, y en la región? Y dado que con las Folkies han llegado a presentarse no solo en Europa sino también en Asia, ¿qué paralelismos podrías trazar? ¿Qué podríamos incorporar del esquema que existe en esos países a los nuestros? Y a su vez, ¿en qué sentidos ellos pueden tomarnos como referentes?

Argentina tiene una riqueza musical enorme en todos sus géneros y en todas sus regiones, pero a diferencia de otros países donde hemos estado y tocado, aquí cuesta mucho lo nuevo. La gente generalmente no sale a buscar propuestas nuevas,  va más bien a lo que conoce o a lo que escucha mil veces en los medios. Nosotras hemos llegado por ejemplo a salas enormes en USA preguntándonos preocupadas quién iría a vernos y sorprendernos con una sala llena de gente que va a descubrir música que no conoce para nada. Otra buena costumbre que tienen afuera es que están acostumbrados a comprar música, compran discos físicos y en las tiendas digitales. Independientemente de la crisis argentina, nosotros somos más de querer todo gratis. Pero sí que somos muy respetados en el mundo por nuestra creatividad.

En lo estrictamente personal, ¿tenés alguna otra actividad programada, como ser colaboraciones con otros artistas? ¿Hay algún artista nuevo con el que quisieras trabajar?

En “Gaucha” tuvimos el honor de tener dos invitados de lujo: Marcela Morelo y Franco Luciani. En el mes de Julio vamos a hacer un espectáculo junto a Teresa Parodi y Marian Farías Gómez, dos de mis artistas referentes a quienes admiro y adoro. Voy a participar también en un disco de Ska Beat City que van a versionar un tema mío de Viudas. También acabo de rodar mi participación en un documental para Netflix sobre el rock en Latinoamérica. Como productora no dejo de sorprenderme de la nueva camada de músicas talentosísimas que hay, y sí, me gustaría producir a muchas de ellas.

Te agradezco enormemente por tu tiempo, y les deseo todos los éxitos con el nuevo disco. ¡Esperamos verlas en Uruguay en algún momento!

¡Ojalá así sea!

(Fotografía de Mavi Díaz & Las Folkies: Pablo Scavino)

Campaña del Juguete en Tractatus con Dastin & Los Indios de Siempre, Micaela Schliper y Ontario

Éste sábado tiene lugar en Montevideo una nueva instancia de la Campaña del Juguete – una gira de conciertos que beneficia a hospitales pediátricos, junto con instituciones como merenderos, escuelas y centros CAIF. La característica de estos conciertos es que la entrada es siempre un juguete, el cual es donado en Navidad al destinatario en cuestión.

El evento del sábado tiene como escenario al Centro Cultural Tractatus. A partir de las 21:00 horas, los locales de Ontario y Dastin Ghersi oficiaran como anfitriones, junto a la cantante argentina Micaela Schlieper.

El destinatario de ésta nueva acción benéfica es doble, ya que los juguetes que se recolecten van a ser donados en parte al Hospital Pereira Rossell, y en parte a la escuela de contexto Nº 95 de La Boyada (“Escuela Unión Europea”).

 

DASTIN GHERSI Y LOS INDIOS DE SIEMPRE

Originarios de Sauce, Dastin y su banda (Los Indios de Siempre) pueden recorrer géneros tan diversos como la murga-rock, el reggae, el pop-rock, el rock fusión y el country-melódico dentro de un mismo show. Ésta versatilidad los ha llevado a actuar en los más diversos escenarios, desde bares y toques callejeros hasta grandes eventos como el Sauce Rock donde compartieron el escenario con La Abuela Coca y 4 Pesos de Propina.

En el año 2016, Dastin lanzó su primer disco llamado “En la Paz de mi Locura”. Éste ya ha sido presentado en Colonia, Maldonado, Montevideo y Buenos Aires.

La del sábado en Tractatus será la primera actuación de la banda completa en Uruguay desde su formación.

https://youtu.be/y7pawDCRvKA

 

MICAELA SCHLIEPER

Cantautora argentina que se presenta en Uruguay por primera vez en el marco de estas actividades. Estudiante de la técnica de canto conocida como Antiguo Italiana desde años, hoy es también profesora de dicha técnica, brindado talleres para niños de modo solidario en diversos barrios de la ciudad de Buenos Aires.

A la fecha, se encuentra trabajando en su primer EP, y estrenará muchas de sus canciones en éste evento.

 

 ONTARIO

Ontario es una banda de rock/post-rock que nace en Montevideo en el año 2012.

Todos sus discos fueron editados de forma independiente. El primero fue “Buscando Casualidades” en 2013 (una placa compartida con Contusus), seguido por “Largas Horas de la Luna” en 2016. A estos se sumó “Típico” en 2018, su primer trabajo netamente instrumental, que refleja la búsqueda de la banda por trascender a un estado donde la música funcione como verdadero vehículo emocional.

Sus miembros actuales son Mateo Flores, Luis Meyer, Pablo Velázquez y Pablo Balmelli.

 

 

 

 

 

Entrevista: Leandro Orella de Fiesta

lean orella fiesta

Luego de haber presentado su disco homónimo durante todo 2015, la banda argentina Fiesta se apronta para grabar su segundo álbum. Durante mi último viaje a Buenos Aires tuve el placer de entrevistar a Leandro Orella, cantante y guitarrista del grupo. Éstas son sus reflexiones sobre cómo el pasado, presente y futuro de la banda se sintetizan en lo que sus cinco integrantes ya consideran el proyecto musical de sus vidas.

–Además de ser muy bueno, el disco debut que editaron hace un año me parece muy argentino. Como uruguayo, cada vez que visito Buenos Aires lo que me llama la atención son las luces, me remito instantáneamente al tema de U2 “City Of Blinding Lights”. Pero en el disco de ustedes, además de ver muchas luces veo mucho cielo. Y hay un tema de su disco que dice justo “basta de luz, basta de luz, alcanza con la música en tus venas”…

–Es muy lindo eso que señalás. Ese tema (“Fiesta En Cualquier Lugar”) es el más optimista que creo haber escrito. Fue como una especie de declaración para gente que yo quería mucho, que estaba no perdida (porque nadie está perdida en la vida) sino más bien deprimida porque no se encontraba acá en Buenos Aires. Y básicamente, era (o es) como una declaración diciendo que podés ser feliz en cualquier lugar…

–¿Cómo una proclama o declaración de principios de la banda?

–Sí, sí. El disco tiene como un mix entre canciones de amor y canciones de protesta, pero de protesta social más que nada, apoyando a la cultura y a la introspección, y al encontrarse a uno mismo. Creo que todos en la banda estamos en ese proceso de buscarnos a nosotros mismos… Continue reading

An Interview with Javi Yunes from The Plethora Project (Argentina)

During my last trip to Argentina I became acquainted with Javier Yunes, the founder and frontman of a band called The Plethora Project. The band is currently introducing audiences to its second record, “Split Album” – a collection of songs that converse back and forth among themselves, showcasing identical realities from opposing viewpoints. Javi is as much of a filmmaker as a musician, having studied art school in the past, so the full conversation with him keep that very same spirit alive – it fluctuated between different artistic conceptions until arriving at some sort of realization about the nature of what he has set to create, and how.

the plethora project live

Thank you very much for being here today and sharing the story of your band with the readers of MusicKO. First of all, I’d like to ask you to introduce yourself, so that people who are new to your music will have a basic understanding of who you are, and how that translates into what you do.

Hey, I’m Javi Yunes from the Plethora Project. The band has been around for about ten years. In 2007, we had our first recording experience via a 4-song EP. Afterwards, in 2010/2011 we issued our first long play. It was named “This House Talks”. We were lucky enough to tour many Argentinean provinces, and nowadays we are introducing audiences to our newest record, which is called “Split Album”.

Which part of Argentina do you hail from?

I was born in Córdoba, and when I was three my parents moved to Catamarca. I lived there for fifteen years, I studied elementary and secondary school there, and then I came to Buenos Aires to get a sound degree, and keep moving towards my chosen path.

When was The Plethora Project started?

I moved to Buenos Aires in 2002. The Plethora Project came to be in 2005, after I had been on other bands. It started when I released an album bearing that same name. I listened to it the other day, incidentally. And I found myself thinking how cool it would be to record it exactly as it was, but with a better sound overall.

What makes your new album stand apart from your previous body of work?

This is our first record with both compositions in English and in Spanish – hence, the “split” Concept.

We have always sang in English. And we did so because of aesthetic reasons, it just fitted our music better. Yet, we understand that the language spoken here is Spanish. And this time around we could include it, and we feel it all coalesces together quite well.

Anyway, music is a language we all understand. And we strive to create a special mood. What we want is you to feel as if you were walking through a thousand different worlds when you are listening to our music. We aim to make your mind fly – and we’re not talking about drugs. I don’t believe I am entitled to “change” anybody’s mind, but what I want is to share a piece of mine with other people. Continue reading

“It’s So Fine” by Franco Martinz (Music Video)

franco martinzOne of the wonders of the Internet is how you can become acquainted with people who live a million miles away, but who nonetheless redefine the meaning of the word “synergy”. A musician who lives in Concordia (Argentina), and who has recently issued his first album of original compositions is bringing all this to mind right now. His name is Franco Martinz, and a fellow musician connected us on Facebook. And the rapport we have struck is just atomic.

This is his first promotional video: “It’s So Fine”. The song is included on his CD (“Latinoamericana”) as a bonus track.

Franco is a true admirer of Sir Paul McCartney and I think such an electricity is what powers this song, and results in a melody that passes the test with flying colors.

The band that plays on Franco’s album comprises Ochi Castillo on drumpad/percussion, Ángel Gabriel López on guitars and Matías José Solana on keyboards. Matías is also the producer of Francisco’s album – give it a spin, you can stream it for free on his own website. I particularly like the piano-driven “Caminante Nocturno” [Night Walker] and “Ella” [She] – on both songs, his appreciation of Wings is put to the best possible use.

Incidentally, the four of them also have a parallel project called CHIPSZ, which focuses on covering material from seminal 80s bands such as The Police, Queen et al. (That’s why the name nods to the quintissential TV show “California Highway Patrol”)

You can learn more about Francisco on his Facebook fanpage. And you can follow him on Twitter, too.

“Extrañándote” by Nadia Costa (Live at the Sala Zitarrosa)

nadia costa sala zitarrosa

Nadia Costa was one of the two artists that performed at the Sala Zitarrosa when I presented my newest book, “Ayer La Lluvia” [Yesterday The Rain].

The book is made up of short stories and a novella that deal with different types of love. So, her music was a perfect match for such a title – all of her compositions are nothing but studies on the vagaries of love and affection.

She opened up the show that night and had her live debut as a solo artist on the prized Sala Zitarrosa, a venue reserved for the highest-ranking of performers only.

This is an excerpt from her live performance. The song is titled “Extrañándote” [Missing You], and it’s one of the compositions of hers that cut the deepest. For me, it works in parallel with “Lejos De Ti” [Far Away From You], a scorching ballad that is highly-likely to be her next single.

The clip was shot by Habemus, a new audiovisual team. The music itself was recorded live by producer/composer Nelson “Cable” Silvera, and our great friend Joaquín Vinci lent us a hand, and gave the sound a little more sheen overall.

Tatú Vudú (Uruguayan Band)

tatu vudu deespacio

Tatú Vudú was started in 2007 by friends Diego Bustamante and Marcos Meerovich, and after years of playing in Montevideo (and after multiple personnel changes) the band managed to release its debut album in late 2012.

Entitled “Deespacio”, it was published by Uruguayan label Perro Andaluz, and the band made it available as a free download right from the very beginning.

Currently, Tatú Vudú is Diego Bustamante on voice and guitars, Marcos Meerovich on guitar, Federico Araújo on keyboards, Carlos Silva on bass and Andrés Lena on drums. Continue reading

An Interview With Bananas, a Young Uruguayan Band

NoQuieroSerNormal is a superb new blog where you can read about up-and-coming Uruguayan artists. It’s run by Gabriel Skrilec. And from now on, you’ll be able to read the interviews posted there on MusicKO, duly translated into English. The first one I’m translating is the one Gabriel conducted with Bananas, a band that has recently come together. Click here to read the original post (in Spanish).

Enjoy!

bananas uruguay
Who are the members of “Bananas”, and how long have you been around?

Bananas are Rodrigo Curbelo on guitar and vocals, Pablo Martín on bass and backing vocals, Nicolás Bello on drums, and Rodrigo Hurtado on synths and keyboards. The band was formally started on late September/early October 2012, although a previous line-up did exist (Rodrigo Hurtado was not involved back then).

bananas

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